Héctor y Andrómaca


Pintura gótica valenciana (VI)

Estilo Hispanoflamenco

A partir del siglo XV, Flandes (Países Bajos) se convierte en uno de los principales centros pictóricos europeos, que ejerce una importante influencia en el resto de Europa. A finales del siglo XIV, Flandes queda unificada bajo dominio de los duques de Borgoña, que aportan el lujo, el refinamiento y el ceremonial de la corte a estos territorios. Se desarrolla este estilo en un momento de auge económico, por lo tanto es un arte que refleja el modo de vida tanto de la rica aristocracia como de la burguesía y además se introduce la nueva técnica del óleo que permite un mejor acabado de la obra.

La pintura flamenca se caracteriza por:

-Gusto por la suntuosidad y el rico colorido.

-Tendencia al naturalismo idealizado.

-Gran interés por representar la realidad lo que conlleva un importante estudio de la luz.

-Gran calidad en la ejecución tanto en las representaciones de los rostros como en cualquier objeto representado.

-Se perfecciona la técnica de pintura al óleo, lo que permite una minuciosidad que antes era imposible de conseguir y también permite el empleo de veladuras ( disposición de capas de pintura que transparentan las anteriores) que hace posible una mayor brillantez de colorido, mejores matices y texturas y efectos de profundidad

-Tratamiento preciosista de las telas .

-Se introducen los paisajes en los cuadros representándose estancias abiertas con exquisito tratamiento de los detalles, de tal manera que cada uno de ellos podría resultar un cuadro.

-Protagonismo de los fondos, escritos con gran detalle.

Los grandes impulsores de la pintura flamenca fueron:

•Van Eyck. En sus obras se refleja un magnífico estudio de la simetría y de la profundidad espacial, una técnica exquisita y un gran equilibrio entre lo real y lo ideal. Sus obras más importantes son el retablo del Cordero Místico, la Virgen del canciller Rolin y el retrato del matrimonio Arnolfini.

•Van der Weyden. Es un excelente creador de tipos y temas iconográficos, muy emotivo y autor de retratos de gran penetración psicológica.

•El Bosco. En los últimos años del siglo XV sorprende la pintura de este autor. Hace una crítica intensa a todos los vicios de la época, es una pintura satírica, mordaz, reflejo de la corrompida sociedad del momento. El dibujo de sus obras es preciso y los cuadros ricos en color. Sus temas son fantásticos y su pintura hay que definirla con unos rasgos marcadamente surrealista.
En España el estilo flamenco alcanzó un amplio desarrollo debido a las intensas relaciones que mantuvo con Flandes en el aspecto comercial y económico. La mayor difusión tuvo lugar en la segunda mitad del XV y comienzos del XVI.

Es en Cataluña y Valencia donde primero se manifiesta este nuevo estilo.

Destacando:

LLUIS DALMAU

MAESTRO DE BONASTRE

JACOMART (JAUME BAÇÒ)

JOAN REIXACH

MAESTRO DE ALTURA

BARTOLOMÉ BERMEJO

OSONA, EL VIEJO

LLUIS DALMAU

Figura importante para entender la penetración del estilo flamenco, ya que fue su introductor en España.

La explicación la hallamos en un encargo de Alfonso el Magnánimo que le llevó a viajar a Flandes entre 1431-36 donde contempló directamente las obras pintadas por los artistas flamencos contemporáneos. A su regreso recibe el encargo de la siguiente obra:

Verge dels Consellers

Verge dels Consellers (1443-1445) (Museo Nacional de Arte de Cataluña)

En esta obra la inspiración en Jan van Eyck es bastante evidente y se manifiesta sobre todo en la disposición de las figuras así como también en la arquitectura y en la característica realista de los retratos.

Un dato importante que debemos tener en cuenta es que Van Eyck estuvo en España y parece probable su estancia en Valencia hacia 1428, de esta manera la Corona de Aragón recoge la influencia de la pintura flamenca bastante más pronto que otros territorios de la Península.

Observamos también una gran riqueza cromática obtenida por el recurso a la técnica del temple con veladuras al óleo lo que proporciona riqueza de matices.

También vemos gran riqueza en los detalles paisajísticos que se presentan en la apertura de ventanas en el fondo arquitectónico lo que expande la profundidad.

Es importante la organización compositiva muy cuidada que busca resaltar a la Virgen.

MAESTRO DE BONASTRE (obras del período 1445-1460)

Exponente de la influencia de Van Eyck y Dalmau, ya había desarrollado su pintura en el estilo internacional.

 

San Ildefonso (Museo de la Catedral de Valencia)

San Ildefonso (Museo de la Catedral de Valencia)

 

Pervive el fondo dorado propio del estilo internacional que es una pervivencia del estilo románico. Vemos la influencia flamenca en el expresionismo contenido que muestra el rostro y el preciosismo de las vestiduras.

 

JACOMART (Jaume Baçó 1411-1461)

Pintor de mucho prestigio en la época que incluso gozó de la protección de Alfonso el Magnánimo y fue reclamado dos veces para trabajar en Nápoles.

En su obra se aprecia la influencia medieval, la corriente flamenca y unos ligeros toques de incipiente Renacimiento italiano.

San Benito (Museo de la Catedral de Valencia)

San Benito (Museo de la Catedral de Valencia)

Solidez escultórica y rasgos individualizados en el rostro que transmite la serenidad propia de una intensa vida interior. Apreciamos las pervivencias medievales en el pavimento y el fondo dorado

 

BARTOLOMÉ BERMEJO Y OSONA EL VIEJO

Tr�ptico de la Catedral de Acqui Terme (1481-85)

Tríptico de la Catedral de Acqui Terme (1481-85)

Obra de gran importancia, ya que puede verse toda la transición de la pintura final del Gótico y el inicio del Renacimiento en Valencia.

Apalabrada en Valencia por Francesco Della Siesa se documenta que fue comenzada por Bartolomé Bermejo de origen cordobés pero activo en Valencia y acentuando la influencia flamenca en la pintura valenciana.Pero la obra fue concluida por los Osona cuyo estilo queda patente en el paisaje y escenas interiores tratadas a la italiana introduciendo características renacentistas en la pintura valenciana.

 


Pintura gótica valenciana (V)

Estilo internacional

Aparece al mismo tiempo que el estilo italogótico en Europa y es una evolución del estilo gótico lineal. Aparece en Inglaterra, Flandes, Borgoña, Alemania, Francia y Austria. Será la expresión artística más en consonancia con el puro estilo Gótico que nace en las regiones europeas que habían estado bajo dominio franco y godo.

Sus principales características son:

Rostros y figuras de gran realismo y gran tamaño de influencia florentina.

Seguridad en el dibujo.

Composición caracterizada por figuras apretadas

Expresividad y variedad de gestos (gran tamaño de las manos y la cara)

Presencia de drapeados nervados y vaporosos.

Especial preocupación por la anatomía, el espacio y la luz.

Potenciación del gusto por la anécdota y temas secundarios.

Alargamiento el canon en la figura humana

Gran contenido simbólico que repercute en el enriquecimiento de la iconografía.

Valencia tiene importantes representantes desde finales del siglo XIV destacan los siguientes autores:

LLORENÇ SARAGOSSÀ

PERE NICOLAU

GONÇAL PERIS

MIGUEL ALCAÑIZ

MAESTRO DEL CENTENAR

Ahora pasaremos a analizar sus peculiaridades a través de sus obras más importantes, claro está que las características generales aplicadas al Gótico Internacional son perfectamente aplicables a todas las obras que veremos a continuación, de ahí que no volvamos a repetirlas.

 

LLORENÇ SARAGOSSÀ (actividad en Valencia desde 1377-1406)

Fue el pintor más prestigioso de la Corona de Aragón en el siglo XIV. En su obra apreciamos la influencia sienesa en loa paisajes y la influencia boloñesa en la búsqueda del momento culminante

Retablo de Fray Bonifacio Ferrer

Retablo de Fray Bonifacio Ferrer (Conservado en el Museo San Pío V)

 

PERE NICOLAU (1390-1405)

En su obra prolífica y de gran calidad se observan influencias de la escuela de Colonia en cuanto a su expresionismo y de la pintura sienesa contemporánea.

Por lo general sus obras se caracterizan por un magnífico dibujo, la delicadeza en el uso de los colores y un gran naturalismo y refinada elegancia.

Virgen de la Humildad (Museo del Prado)

Virgen de la humildad (Museo del Prado)

 

Influencia de las Madonas sienesas, novedad en tierras valencianas.

 

 

GONÇAL PERIS (1380-1451)También conocido como el Maestro de Martí de Torres. Se formó en el taller de Pere Nicolau por lo que presenta un estilo próximo que vemos en los colores refinados y la maestría de los drapeados.

Aúna características del Quattrocento italiano, como por ejemplo la grandiosidad de las figuras con características del mundo flamenco, sobre todo en detalles y expresiones.

 

Detalle San Mart�n entregando su capa a un pobre

Retablo de los Martí de Torres (Museo de BBAA San Pío V)


MIGUEL ALCAÑIZ (activo hacia 1410)

Presenta influencias de la pintura florentina, en concreto del ciclo de la exaltación de la Santa Cruz en la Santa Croce de Florencia pintada por AGNOLDO GADDI hacia 1330.

Sus obras presentan un impactante expresionismo además de influencia sienesa en los paisajes montañosos y fondos dorados.

 

Combate de San Miguel contra los ángeles rebeldes

 

Combate de San Miguel contra los ángeles rebeldes. Retablo de San Miguel (Museo de BBAA de Lyon)

 

MAESTRO DEL CENTENAR (Segunda década del siglo XV)

En su obra se aprecian influencias de la pintura francesa, influencias germánicas e influencias del Norte de Italia que se ejemplifican en su Retablo de San Jorge.

San Jorge y el Dragón

San Jorge y el Dragón. Retablo de San Jorge

 

Colores vivos e influencias germánicas en el expresionismo de gran delicadeza de sus figuras.

 


Pintura gótica valenciana (IV)

Estilo italo-gótico

Nace en Italia y se desarrolla entre los siglos XIII y XIV. Recoge la influencia bizantina que se había conservado a través de la pintura románica en Italia.

Las características son:

– Mantiene formas rígidas y estereotipadas, de ahí que los personajes se caractericen por la isocefalia.

-Gusto por composiciones simétricas.

– Detallismo cuidado.

– Búsqueda permanente de los efectos de luz y sombra, para conseguir volumetricidad en el cuadro y tridimensionalidad propias de la tradición clásica.

-Introducción de arquitecturas de carácter sienés como fondo.

-Utilización de columnas pintadas en la misma tabla para la división de escenas.

Los pintores más importantes son: Cimabue, Giotto y Duccio en el siglo XIII y Simone Martini en el XIV.

España. La repercusión de esta escuela fue muy grande. Los pintores que siguieron este estilo fueron:

– Ferrer Bassa. Es el mejor representante del estilo y destacan sus obras en San Miguel de Pedralbes (Barcelona).

– Jaime y Pedro Serra. Difunden el estilo por el reino de Aragón y entre sus obras destaca el retablo de Sigena.

 

Detalle Santa Cena

Detalle de Santa Cena.

Retablo de la Eucaristía. Villahermosa del Río (Castellón)

 

De autor desconocido, se le denomina el Maestro de Villahermosa. Presenta influencias de la pintura catalana de los hermanos Serra y de Ramón Destorrents.


Pintura gótica valenciana (III)

Estilo franco-gótico o gótico lineal.

Nace en Francia y se desarrolla hasta finales del siglo XIII (1300-1390). Se caracteriza por:

– Predominio de la línea sobre el color.

– Planitud de las formas, utilizando todavía la ley de frontalidad.

– Utilización de colores planos, muy vivos pero sin gradaciones tonales.

– Naturalismo en la forma de interpretar los temas y carácter narrativo y anecdótico.

-Interrelación de las figuras y expresión exagerada de sentimientos.

-Falta de perspectiva

-Pervivencia de rasgos de la pintura románica.

El resultado son unas figuras recortadas sobre un fondo monocromo dentro de un sistema compositivo bidimensional, aunque se observa un proceso gradual de tendencia al naturalismo.

La técnica más utilizada será la pintura mural, ya utilizada en el período románico. Se basaba en la preparación de la pintura a base de pigmentos coloreados diluidos en agua de cal. Este tipo de pintura se aplicaba sobre la superficie mural a la que previamente se había añadido una capa de enlucido para alisarla (yeso, estuco…). La aplicación se hacía cuando el enlucido estaba aún húmedo. Al secarse, el conjunto adquiría gran dureza y resistencia

Esta pintura también se manifestará en la decoración de obras literarias, como vemos en las famosas Cántigas de Santa María , obra de mediados del siglo XIII escrita por el rey castellano Alfonso X el Sabio, y también en la ilustración de Biblias y salterios. No faltaron tampoco tablas para frontales de altar de tradición románica, cuyas muestras más relevantes se encuentran en el reino de Aragón: frontales de los maestros de Avía, Soriguerola y pinturas murales del monasterio de Sigena, todas ellas del siglo XIII. Del siglo siguiente son las tablas que decoran la techumbre mudéjar de la catedral de Teruel, así como las pinturas murales de Antón Sánchez de Segovia de la capilla de San Martín en la catedral vieja de Salamanca y el artesonado del claustro de Silos.

 

Santa Bárbara. Iglesia de la Sangre de Ll�ria

Santa Bárbara. Iglesia de la Sangre de Llíria


Pintura gótica valenciana (II)

Características Generales

El rasgo más importante de las artes plásticas en el gótico va a ser el creciente realismo, es decir, intentar que la obra de arte refleje lo más fielmente posible toda la realidad que rodea al hombre.

Es precisamente la pintura la manifestación artística que mejor refleja durante la etapa del gótico el cambio de actitud del hombre para con su entorno, ya que cuenta con mejores recursos para llevarlo a cabo. La pintura se presta mejor para representar al hombre y al espacio que le rodea, de ahí que tienda a:

– Buscar el detalle visual.

– La ordenación del espacio pictórico.

– La elección de una escala de proporciones que refleje la realidad.

– Intento de transmitir la noción de espacio tridimensional y como consecuencia la perspectiva y la gradación de color.

Estas nuevas preocupaciones traen la aparición de nuevos temas pictóricos:

•El paisaje: aparece por la supresión de fondos lisos, para dar mayor realismo a las escenas.

•El retrato: irá tomando más importancia a medida que el hombre se convierte en el centro del mundo ( cambio de una sociedad teocéntrica a antropocéntrica).

•La Naturaleza muerta: como consecuencia de la importancia que se le da a los objetos que rodean al hombre.

La conquista de la realidad se va a dar en los artistas italianos y de los Países Bajos, que fueron acercándoselo progresivamente a la naturaleza y al hombre.

La pintura gótica contribuyó a la decoración de los templos. A medida que la superficie de las ventanas aumenta, pierde importancia la pintura mural, a la vez que se desarrollan vidrieras coloreadas, miniaturas en manuscritos,y la pintura sobre tabla que tiene un gran auge. Se potencia el retablo, pintura sobre madera, que se hace monumental y cuya superficie se divide en tablas pequeñas, organizándose con un cuerpo inferior sobre el que se levanta el resto, dividido vertical ( calles) y horizontalmente (cuerpos).

En Europa aparecen cuatro estilos distintos que van a tener repercusiones en España y en Valencia, son los siguientes:

 

 

goticoexpl


Pintura gótica valenciana (I)

El estilo gótico constituye la expresión de la evolución cultural, política, económica y social de Europa. Supone una nueva forma de sentir; es ciudadano y burgués y responde a una nueva mentalidad religiosa.

El gótico se extiende desde mediados del siglo XII hasta comienzos del siglo XVI. Francia inicia el estilo y se extiende por toda Europa occidental para mantenerse hasta el Renacimiento, es decir, hasta el siglo XIV en Italia y hasta el XVI en otros países.

Introducción histórica

Hasta el siglo XIII Valencia es dominada por el Islam.

Pero desde el siglo XII se ha iniciado un proceso de conquista de los reinos cristianos del Norte.

Por ejemplo hacia 1220 se inicia el proceso de conquista de Castellón. En 1238 Valencia es conquistada por Jaume I.

Este proceso de conquista es completado a mediados del siglo XIII.

La conquista de Valencia marca un hito en la historia, ya que ésta no se anexiona a Aragón como una parte dependiente, sino que se le dota de un status jurídico propio reflejado en los Fueros y su independencia política respecto a Aragón.

Todo ello se verá reflejado también en el arte de este período, un arte con personalidad propia y con peculiaridades dentro del arte europeo.

Tras la victoria cristiana, la población musulmana fue expulsada y la ciudad repartida entre aquellos que habían participado en la conquista, de lo que queda testimonio en el Llibre del Repartiment. Jaime I otorgó a la ciudad unas nuevas leyes, els Furs, que años después hizo extensivas a todo el reino de Valencia. Comenzaba aquí una etapa nueva, de la mano de una nueva sociedad y de una nueva lengua, que sentó las bases del pueblo valenciano tal y como lo conocemos hoy.

La ciudad pasó por graves aprietos a mediados del siglo XIV. Por un lado, la peste negra de 1348 y las sucesivas epidemias de años siguientes, que diezmaron a la población. Por otro, la guerra de la Unión, una revuelta ciudadana, encabezada por Valencia como capital del reino, contra los excesos de la monarquía. Por último, la guerra con Castilla, que obligó a levantar a toda prisa una nueva muralla para contener, por dos veces en 1363 y 1364, el ataque castellano. En premio, Pedro el Ceremonioso le concedió el título de “dos veces leal”, representado por las dos “L” que ostenta su escudo.

La convivencia entre las tres comunidades, cristiana, judía y musulmana, que ocupan la ciudad, fue conflictiva a lo largo de toda la edad media. Los judíos, instalados en torno a la calle de la Mar, habían progresado económica y socialmente, y su barrio fue ampliando progresivamente los límites a costa de las parroquias contiguas. Por su parte, los musulmanes que permanecieron en la ciudad tras la conquista fueron instalados en una morería junto al actual mercado de Mosen Sorell, contigua al entonces barrio artesanal del Carmen. En 1391 una turba descontrolada asaltó el barrio judío, lo que supuso la práctica desaparición de la comunidad y la conversión forzosa de sus miembros al cristianismo, aunque muchos siguieron practicando su religión en secreto. En 1456, de nuevo un tumulto popular condujo al asalto de la morería, aunque sus consecuencias fueron de menor trascendencia.

En el siglo XV Valencia vivió una etapa de gran desarrollo económico y esplendor cultural y artístico. Se creó la Taula de canvis, una banca municipal en apoyo de las operaciones comerciales, la industria local con los tejidos a la cabeza alcanzó un gran desarrollo, y la ciudad se convirtió en un emporio comercial al que acuden mercaderes de toda Europa. A finales de siglo se erigió la Lonja de mercaderes, centro de transacciones y un verdadero templo del comercio.

Este auge económico tiene su reflejo en el plano artístico y cultural. Se levantan ahora algunos de los edificios más emblemáticos de la ciudad, como las Torres de Serranos (1392), la Lonja (1482), el Micalet o la capilla de los Reyes del Convento de Santo Domingo. En pintura y escultura se dejan sentir las tendencias flamencas e italianas en artistas como Lluís Dalmau, Gonçal Peris o Damian Forment. En literatura, al amparo de la corte de Alfonso el Magnánimo florece la producción escrita, de la mano de autores como Ausias March, Roiç de Corella o Isabel de Villena. Hacia 1460 Joanot Martorell escribe el Tirant lo Blanch, una innovadora novela de caballería que influyó en numerosos autores posteriores, desde Cervantes a Shakespeare.


Intertextualidades en Frankenstein

Frankenstein o El Moderno Prometeo, incluye múltiples referencias literarias que demuestran la cultura y erudición que poseía su autora, Mary Shelley.

Ya el mismo título que hace una referencia explícita al mito del titán Prometeo, hijo de Japeto y hermano Epimeteo entre otros . Se le consideró el bienhechor de la humanidad a la que trajo el fuego y la cultura. Fue incluso tenido por el creador de la humanidad, fue el primero que formó con barro una imagen del hombre a la que infundió vida con el fuego celeste que usurpó. Este robo del fuego propició que Zeus enviara a Pandora a la Tierra provista con la caja con todos los males que al ser abierta se difundieron por toda la Tierra.
Además Prometeo fue castigado a ser atado a una roca en el Caúcaso donde le devoraba un águila a diario el hígado.
Si trasladamos este mito a la narración de la novela,Prometeo equivaldría al Doctor Frankenstein que con su Creación provocaría la ira de Dios. Su castigo sería el remordimiento constante (simbolizado en el mito por el hígado comido por el águila).
Si extendemos esta visión a la caja de Pandora, mito que se fusiona al de Prometeo, podemos equipararlo al episodio de la creación de la compañera de la Criatura, al ser abortada esta tarea, los males no se expanden por la humanidad.
Se cree que Mary había estudiado a Ovidio (43 a. C-17 d.C) en 1815, en concreto sus Metamorfosis, obra de madurez de este autor un largo poema en quince volúmenes que recoge diversas historias y leyendas mitológicas sobre el tema de la metamorfosis o transformación. El poema comienza con la primera gran metamorfosis, la creación del universo, y concluye con la muerte y la deificación de Julio César. Muchas de las historias muestran la relación entre los mortales y los dioses, las consecuencias de la obediencia o la desobediencia, y su posterior recompensa o castigo en una transformación final, entre ellas el mito mencionado , este libro se convirtió casi en un manual de mitología griega.
Este mito fue muy apreciado por los románticos y podemos rastrear su presencia en obras como el Prometeo (1816)de Lord Byron o el Prometeo desencadenado de Percy. B. Shelley, el círculo de confianza de Mary Shelley.
Pero debemos tener en cuenta que el título forma parte del juego de las intertextualidades existentes en la novela, sobre todo la insistencia en El Paraíso perdido de Milton, ya presente en la cita inaugural que además hace referencia al mito prometeico:
“¿Te pedí,
Por ventura, Creador, que transformaras
En hombre este barro del que vengo?
¿Te imploré alguna vez que me sacaras
De la oscuridad?”

Las citadas intertextualidades se explicitan claramente en el proceso educativo del Monstruo, con su hallazgo fortuito de tres obras :
-Las desventuras del joven Werther de Goethe.
-Las Vidas de Plutarco.
-El Paraíso Perdido de Milton.
Con Las desventuras del joven Werther, una narración sobre el amor no correspondido y el suicidio, que sabemos por sus Diarios, que Mary estudió en 1815, el Monstruo gana el conocimiento del aspecto emocional de la naturaleza humana y los sentimientos de amor y desesperación.
Con Las Vidas, una recopilación biográfica de nobles romanos y sus hazañas, que Mary también estudió en 1815, el Monstruo aprende modelos de conducta humana. El Paraíso Perdido, considerada la obra maestra de John Milton, publicada en 1667, en doce cantos narra la historia de la caída de Adán en un contexto de drama cósmico y profundas especulaciones, el objetivo del poeta era justificar el comportamiento de Dios hacia los hombres, otras de sus obras fueron Paraíso recuperado y Samson Agonistes, entre otras.
Con esta obra que Mary estudió numerosas veces entre 1815-1816,el Monstruo aprende el sentido trágico de la vida principalmente y halla una correlación entre él mismo y Adán como primera creación y Satán por ser rechazado por su Creador.
Pero la influencia de esta obra permea toda la novela y entre ambas podemos establecer temas paralelos como: el moldeado de un ser humano con barro (en nuestro caso con la unión de cuerpos inertes), el desarrollo de la maldad y el deseo de venganza, el aislamiento del ser hostil y el consecuente incremento de su hostilidad.
Pero estas no son todas las intertextualidades que hallamos por el texto, las hay por todas partes, referencias a poemas de Coleridge (1772-1834)en concreto La balada del viejo marinero , de Wordsworth(1770-1850) cuyos poemas presentan a la naturaleza como vehículo de revelación del alma y del sentido moral de la vida, aspecto relacionable con la naturaleza que aparece en la obra ,de Byron ,de Leigh Hunt a obras como Orlando, el Amadís de Gaula , a autores como Shakespeare y, por supuesto a Percy .B. Shelley, demostrando el vasto conocimiento literario de la autora.

Autor Mary Wollstonecraft Shelley

Título Frankenstein o El moderno Prometeo

Lugar de Edición Madrid

Editorial Cátedra

Año de Edición 1999

Colección Letras Universales

Introducción de Isabel Burdiel


Francisco Gutiérrez Frechina (III)

Llamamos “escuela ” valenciana de escultura al conjunto de escultores que corresponden a una determinada época, en un concreto territorio -el País Valenciano- y que giran en torno a un centro principal que es la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia . Esta escuela no se caracteriza por defender y practicar una tendencia determinada sino que se limitaba a inculcar enseñanzas de corte académico, dejando a los artistas estudiantes que eligiesen personalmente su camino.
Pese a no haber una tendencia única, como caracteres generales se pueden citar:

– Preocupación por resaltar los valores del volumen, la masa y el espacio.

-Búsqueda de la dignidad , naturalidad y esencia, huyendo de tópicos.

-Reducción del detalle formal, evitando caer en lo particular y efectista.

-Universalización de los personajes en los retratos.

-Sencillez, orden, ritmo y elegancia en contra de lo empalagoso y amanerado propio de la Restauración.

-Ansia de intemporalidad para lograr obras perennes.

-Fuerza y robustez.

“San Carlos”, antiguo convento de estilo neoclásico, situado en el barrio del Carmen era el centro de enseñanza.

San Carlos

Allí se formaba a técnicos en pintura, escultura, dibujo y grabado. La enseñanza fundamentalmente práctica dejaba en un segundo plano la teoría e historia del arte.

Estaba totalmente desconectada de la problemática artística de su siglo (ismos y primeras vanguardias). y cualquier intento de modernidad era juzgado peyorativamente por el profesorado que estaba anclado en el pasado (postsorollismo en pintura y mediterraneísmo de corte clásico en escultura).

La situación docente y régimen didáctico de San Carlos tenía su antecedente en las “Academias” del XVIII y el programa práctico consistía en la copia de ornamentos y estilos.

La elaboración del plan de estudios estaba asignada a viejos maestros consagrados como José Benlliure, Isidoro Garnelo, Ricardo Verde…

Al comienzo de los años 30 despertaron las primeras protestas. Ya en 1929 , José Renau Berenguer firmaba el texto ” A raíz de la Exposición de Arte de Levante”, en el que criticaba la conformidad y la falta de ideales de los “jóvenes viejos”.

El advenimiento de la Segunda República española coincidió con la publicación de proclamas y manifiestos de síntesis artístico- política. Tanto la prensa izquierdista (“Nueva Cultura”, “Libre-Estudio”) como los partidos políticos del mismo signo aireaban las nuevas ideas debatidas en charlas y cenáculos, en los que el intercambio de libros- nacionales y extranjeros- se hacía cada vez más común.

Proliferaban todo tipo de asociaciones como la “Unión de Escritores y Artistas Proletarios” (U.E.A.P.) , la “Alianza de Intelectuales para la Defensa de la Cultura” (A.I.D.C.)… de claro signo izquierdista tomaban como modelo el comunista de la Unión Soviética ,a la que veían como sociedad sin clases y los artistas realizaban sus obras como medio propagandístico inmediato,de lucha contra el fascismo, de transformación de la sociedad Como lugar expositivo se utilizaba la “Sala Blava”.

Surgieron entonces propuestas escultóricas más avanzadas como las de Pérez Contel, Badía, Boix…de las que más tarde hablaremos. Pero las vanguardias no pudieron arraigar adecuadamente ya que no existía en la sociedad valenciana una burguesía que apoyara las nuevas propuestas.

*Debe mencionarse también la actividad artística que se llevó a cabo en la Cárcel Modelo de Valencia (p.e. los ya citados Pérez Contel, Badía, Torán etc..).En ella la disciplina era muy estricta , constante vigilancia y hasta tortura que llevó a muchos a suicidarse. Otros desgraciadamente fueron fusilados como Alfredo Gomis Vidal , el caricaturista Bluff…

A continuación citamos una extensa nómina de escultores, agrupados con respecto a su tendencia escultórica (debe tenerse en cuenta que no es una agrupación estricta y que muchos autores pueden incluirse en varios grupos a la vez).

Tradición imaginera : Rafael Alemany, Vicente Antón, José María Bayarri, Vicente Benedito, Pío Mollar, Felipe Panach, José María Ponsoda , Vicente Rodilla , Sánchez Lozano, Antonio Sanjuán y Miguel Torregrossa.

Siguieron una artesanía reiterativa y convencional. Escasa proclividad hacia criterios renovadores.

Temáticas religiosas o valencianistas, desfasados aunque con una perfecta técnica.

Academicismo : Álcacer, Arnal, Ballester Besalduch, Bargues, Benlloch, Luis Bolindres, Francisco Bolinches, Casterá Causarás, Gabino, García González, Just, Justo Villalba, Labrandero, Díaz Pintado, Mora Cirugeda, Navarro Santafé, Paredes, “Peresejo” , Peyró Mezquita, Ramos ,Rafael Rubio, Roberto Rubio, Claudio y Pascual Sempere y Víctor-Hino.

Como consideraciones globales citamos una marcada actitud prohelénica, y clasicista. Sus obras fueron muy valoradas por el gusto oficial de la época de ahí que fueran premiadas en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes. Debido a este afán de premio y reconocimiento social despreciaron cualquier intento de renovación.

Subsistieron gracias a lápidas, monumentos públicos y la imaginería.

Aquí es donde englobaríamos a Frechina.

Renovación del clasicismo : Daniel Bañuls, Luis Benedito, Giner Canet, Marco Pérez, Mateu Montesinos, Navarro Romero, Ortells López. Alfredo Torán, Carmelo y Julio Vicent.

Desmarcándose del academicismo pero tentados por el gusto oficial, siguen con la mirada puesta en Fidias, Miguel Ángel y Canova. Se trata de una tercera vía entre el mediterraneísmo y el realismo castellano.Viajan a Madrid, Barcelona o América porque la sociedad valenciana no les apoya.

danzarina Modernidad : Vicente Beltrán, Ricardo Roso y Salvador Vivó.

Permeables a las influencias del Art Decó e incluso del cubismo y el futurismo.

Danzarina (Vicente Beltran Grimal)

Sirven de eslabón para la vanguardia escultórica valenciana

Vanguardia : Francisco Badia Plasencia, Antonio “Tónico” Ballester, Ricardo Boix, Enrique Moret Astruells y Rafael Pérez Contel.

Ampliaron el reducido elenco de materiales tradicionales (barro, piedra, madera , bronce ) y tendieron cada vez más a la abstracción . juegos de líneas, de planos, de llenos y vacíos.

Presentan influencias del Art Decó, cubismo, expresionismo, surrealismo…

Tratan sus obras como instrumento de denuncia y dicen sí a la popularización del arte.

Sus ansias de renovación se vieron frenadas con la guerra civil y el ascenso al poder del general Franco .

A continuación incluimos algunas de las obras conservadas del artista analizado.

Santa Mar?a la Mayor
Santa María la Mayor
Cristo yacente
Cristo yacente
San Roque
San Roque
Pur?sima Concepción
Purísima Concepción

BIBLIOGRAFÍA

  • AGRAMUNT LACRUZ, F.: “[Gutiérrez Frechina, Francisco]”, en Diccionario de artistas valencianos del siglo XX , t. II. Valencia, 1999, p. 863. BMS
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  • DE SALES FERRI CHULIO, RVDO.A.: Escultores suecanos : Beltrán , Gutiérrez Frechina y Moret . Sueca, 1990.
  • GRACIA, C.: Las Pensiones de Escultura y Grabado de la Diputación de Valencia. Valencia, 1987.
  • LÓPEZ EGEA, M.A.: “Hijos ilustres de Sueca: Francisco Gutiérrez Frechina. 1908-1950”, en el semanario Sueca, 25 de septiembre de 1977. BMS También publicado en el diario Las Provincias , 24 de mayo de 1998, BMS en el semanario Sueca , 31 de mayo de 1998, BMS y en Imatges i paraules de López-Egea . Sueca, 2001, pp. 315-316. BMS.
  • LÓPEZ EGEA, M.A.: “Escultores valencianos: Francisco Gutiérrez Frechina (1908-1950)”, en la revista Valencia Atracción , núm. 562. Valencia, noviembre de 1981, p. 22. BMS

Francisco Gutiérrez Frechina (II)

Para entender la escultura y estilo de Frechina debemos echar un vistazo a su contexto histórico-artístico, la Segunda República.
Primeramente debe tenerse en cuenta que mucha de la escultura valenciana estará condicionada por la densa tradición escultórica valenciana anterior, es decir toda la escuela iniciada por Benlliure.

Así Benlliure , “forma época”, con su arte que reflejó la estética oficial de su época, una estética decimonónica, donde la escultura gravita hacia al pintura, se detiene en el virtuosismo y los detalles y se sustituyen los temas clásicos y mitológicos por los de historia nacional o costumbrista (niños, toros, retratos..).Pero formar época puede ser visto negativamente así Juan Gaya Nuño en su obra la Escultura española contemporánea de 1957 (pp.26-27) nos dice : ” La funesta consecuencia del estilo Benlliure […] rebasó sus culpas, y es obra de muy menguados imitadores que persistían en un afanarse miope, puerilmente accidenterizado e ingracioso, olvidando cada vez más cuales son los fines de la verdadera escultura […]”

A la izquierda podemos ver su obra titulada Accidente

Tras su muerte , aparecen nuevos criterios estéticos:

1-Tradición figurativa- Rodin

2- Total revolución- Cézanne.

En España triunfará la primera de ellas que trataba de concebir la forma en profundidad, surgiendo de un centro que se expande de dentro a afuera con una fe ciega en el natural.

Así aparecerán dos escuelas:

-Mediterraneísmo catalán.Maillol fue el iniciador, le seguirán Clará , Casanovas…Seguían un “neohelenismo romanizante”, se trató sobre todo de desnudos femeninos.La Mediterránea (Maillol. National Gallery) Mediterranea
heracles -Escuela castellana.Bourdelle fue el iniciador, le seguirán Victorio Macho, Emiliano Barral, Mateo Hernández… Se trató de un realismo austero como el de la imaginería castellana.

Heracles (Bourdelle.)

Estas dos escuelas influirán en los escultores valencianos de la renovación post- Benlliure:

José Capuz Mamano (Valencia 1884- Madrid 1964)

Admirador de Berruguete, trabajaba piedra , bronce y madera. Sus formas rotundas pero elegantes,se caracterizan por la limpieza y claridad de líneas , cierta geometrización y por un gran aliento poético concentrado.

Juan Bautista Adsuara Ramos (Castellón de la Plana 1891-1973)

De proyección internacional, su temática gira en torno a figuras femeninas, maternidades, alegorías y retratos a las que dota de clasicismo e intemporalidad.

Ignacio Pinazo Martínez (Valencia 1883- Godella 1970)

Seguidor de Canova. Destaca en el género retratístico donde valora las calidades rugosas de la piel del retratado. Busca plasmar tipos populares que fuesen prototipo de la raza(“El saque”).

Juan Bautista Porcar Ripollés (Castellón de la Plana 1889-1974)

Sigue planteamientos pictoricistas y eclécticos, así en sus desnudos femeninos se muestra clasicista, pero también presenta propuestas expresionistas (“Arquer”). Estos cuatro escultores pretendieron superar el “benlliurismo”, conciliando lo antiguo y lo moderno y la escuela mediterránea con la castellana.

Serán seguidos en mayor o menor medida por la “Escuela ” valenciana de escultura, de la cual es integrante Frechina.


Francisco Gutiérrez Frechina (I)

Francisco Gutierez FrechinaDos motivos favorecieron la realización de este artículo.

En primer lugar como regalo a mi tío abuelo Mariano Villena Giménez gracias al cual conseguí conocer la existencia de este escultor.

Y en segundo lugar para dar a conocer a este escultor Francisco Gutiérrez Frechina, un artista que vivió durante un convulso período (el de la Segunda República y la Guerra Civil) y al que pareció rondarle la mala suerte eternamente, como se verá si leemos su biografía.Mi deseo es que al leer este artículo se avive la curiosidad por conocer un poco más de este período, ya que es mucho el arte que se esconde tras las heridas de una guerra…

Nació en la ciudad de Sueca el día 20 de Noviembre del año 1908 , siendo hijo del matrimonio formado por Valentín Gutiérrez, natural de Alzira, y Francisca Frechina Juan, natural de Sueca. Una modesta familia de jornaleros.
Francisco se negó a trabajar en la agricultura, se podría decir que había heredado la vena artística del abuelo Frechina que era un excelente marmolista.
Observando esto , a los 15 años su padre condescendió en que se matriculara en la Escuela de Bellas Artes de Valencia .Allí tuvo por profesores a Francisco Paredes García y Luis Marco Pérez a los que más tarde mencionaremos.
Después de asistir a clase trabajaba como modelista, consiguiendo a los 20 años el título de profesor de dibujo y modelado.
El 1 de Noviembre de 1929 la corporación provincial convocó oposiciones a pensionado de Escultura, pero fracasó lo que su marcha a Madrid, con el fin de tomar parte en las oposiciones para el pensionado de Roma (por 4 años), consiguiendo este galardón en abril de 1931, con la obra titulada El triunfo de la vida.
Así él mismo relata su viaje : “En las oposiciones de Madrid para el pensionado de Roma que dura 4 años, obtuve el galardón deseado.Allá marcharé. Pero mi viaje como buen valenciano lo haré con el itinerario siguiente.. parto de Madrid y el día 25 del actual de Barcelona a Marsella, Niza, Cannes, Montecarlo, Mentón, -visita a la sepultura de Blasco Ibáñez-, Nápoles, y a Roma…Mi ambición es triunfar en Roma, primero; luego en América, allá en New York; y a la vejez ofrendar a Sueca mi victoria.”
Este viaje se prolongó hasta Atenas (Junio de 1933).Visitó también la capital de Egipto, El Cairo, así como la de Siria, Damasco.
En 1933 recibió otra pensión del Gobierno para poder hacer un viaje por tierras de Norteamérica y México, a donde partió en Enero de 1934. Antes de partir había esculpido un grupo escultórico de desnudo femenino, titulado Estatuas de mujer, que presentó a la Exposición Nacional de Bellas Artes de este mismo año. En Junio, se le concedió por esta escultura la Segunda Medalla.
En Noviembre regresó de América.
Su primera exposición tuvo lugar en la Sala Abad (calle Pintor Sorolla ).
Su trabajo estético era de gran calidad hasta el punto que el escultor Capuz afirmó que Frechina era el valor más destacado entre los jóvenes escultores actuales.

Maestro Serrano posando para FrechinaEn Abril de 1936 un grupo de personalidades Mariano Benlliure, Victorio Macho, Maestro Serrano, Juan Cristóbal… solicitaron una prórroga de dos años de su pensión en América, pero la guerra civil dio al traste con estos proyectos.
Una vez concluida esta en 1939, consiguió un buen mecenas , el arquitecto Cort Botí que le ayudó a continuar sus trabajos artísticos.
En Valencia regentó un taller que debido a sus problemas económicos tuvo que domiciliar en distintos lugares, en la calle Alboraya, en la calle Colomer, en el mismo taller de José Villar, en una planta baja de la calle Padre Jofré, finalmente en un bajo de la calle Murillo.
Su idea sobre el arte consideraba que el valor primordial de una obra se encontraba en su modelado, en el momento de la inspiración del artista, ello podemos apreciarlo en la siguiente anécdota vivida por su amigo Tur, “en una ocasión habiendo modelado un bibelot al que continuamente intentaba perfeccionar. Sin avisarme Frechina lo rompió alegando -Es que no vullc que t´amaneres amb l´escultura”
Murió el día 14 de Septiembre de 1950, debido a una complicación en una muela infectada. Una vez fallecido llegó a su casa el nombramiento de profesor de la Escuela de Bellas Artes del que no pudo tomar posesión.